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Peter Lindbergh war ein lebenslanger Freund von Tina Turner und nahm über viele Jahre hinweg intime Porträts der Queen of Rock'n'Roll auf. Seine Fotografien dokumentieren nicht nur ihren Status als Ikone, sondern zeigen auch die kraftvolle, lebensfrohe und manchmal introvertierte Frau hinter dem Star im Rampenlicht. Mit unglaublicher Sensibilität und einem untrüglichen Gespür für eindrucksvolle Bildkompositionen hat Peter Lindbergh die strahlende Energie von Tina Turner fotografisch eingefangen. Seine Aufnahmen zeigen Tina in ihrer ganzen Vielschichtigkeit, voller Energie und Leidenschaft, aber auch in Momenten kontemplativer Ruhe. Über Jahre hinweg begleitete Lindbergh Tina Turner in zahlreichen Situationen - am Strand oder auf der Bühne, im Straßengetümmel oder auf dem Eiffelturm, mit ganz Paris zu ihren Füßen - und fing hierbei stets die echte Tina mit seiner Kamera ein. Seine Fotografien zeigen sie singend, tanzend, selbstvergessen und eröffnen so einen mühelosen Blick in die Tiefe ihres Charakters. Alle seine Bilder erzählen eine Geschichte und sind Zeugnis ihrer Lebendigkeit und Komplexität, auf der Bühne wie im Leben. Jedes seiner Porträts fängt hierbei ganz unverwechselbar Tina ein. Eingeleitet durch ein persönliches Vorwort von Tina Turners Ehemann Erwin Bach, ist dieses Buch eine intime Hommage an die Freundschaft und tiefe Verbundenheit zweier Künstler, die die kulturelle Landschaft des 20. Jahrhunderts geprägt haben. Es ist mehr als eine Sammlung von Fotografieren: Es ist eine Feier der Freundschaft, der Kreativität, des Vertrauens und der gegenseitigen Anerkennung. "Wir waren Komplizen", erinnert sich Tina. "Er war bereit, das Unmögliche zu wagen - genau wie ich! Zusammen haben wir Magisches geschaffen!" Der Zauber, den die beiden entfacht haben, lebt in Peter Lindberghs Fotografien weiter. Dieses Buch - eine Sammlung von Bildern, die während ihrer langen beruflichen Zusammenarbeit und innigen Freundschaft entstanden sind - erzählt ihre außergewöhnliche Geschichte.
Es war an einem Strand in Malibu im Jahr 1988, als Peter Lindbergh die Fotos der White Shirts-Serie aufnahm, die heute legendär sind. Die einfachen, aber bahnbrechenden Aufnahmen machten uns mit Linda Evangelista, Christy Turlington, Rachel Williams, Karen Alexander, Tatjana Patitz und Estelle Lefébure bekannt. Es war der Beginn einer Ära, in der Schönheit neu definiert wurde und der deutsche Fotograf die Landschaft der Modefotografie grundlegend verändern sollte. Dieser großformatige Bildband folgt Lindberghs humanistischem Ansatz und seiner Vorliebe für filmische Inszenierungen, die so verführerische wie introspektive Fotos hervorbrachten, und versammelt mehr als 300 Bilder aus seiner vierzigjährigen Karriere. 1980 bat Rei Kawakubo Lindbergh, eine Commes-des-Garçons-Kampagne zu fotografieren, einen seiner frühen Ausflüge in die Welt der Werbung, wobei ihm Kawakubo völlig freie Hand ließ. Die folgenden Jahre führten Lindbergh zu den Größen der Modebranche wie Azzedine Alaïa, Giorgio Armani, Alber Elbaz, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Yves Saint Laurent, Jil Sander und Yohji Yamamoto - Kollaborationen, die stets auf großem, gegenseitigem Respekt gründeten, der in den Porträtaufnahmen geradezu spürbar ist. Lindbergh leistete wichtige Pionierarbeit, indem er sich den Schönheitsstandards der Modeindustrie verweigerte und neben dem Aussehen der Frauen vor allem deren Geist und Persönlichkeit betonte. Damit war er entscheidend beteiligt am Aufstieg von Models wie Kate Moss, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Cindy Crawford, Kristen McMenamy oder Mariacarla Boscono. Lindberghs Reichweite erstreckte sich bis nach Hollywood und darüber hinaus: In seinen Aufnahmen begegnen wir Cate Blanchett, Charlotte Rampling, Richard Gere, Madonna, Brad Pitt, Catherine Deneuve und Jeanne Moreau. Von seinem berühmten Foto der "Supermodels", das Anna Wintour 1990 zum Titelbild ihrer ersten Vogue-Ausgabe machte, bis hin zur legendären Aufnahme von Tina Turner auf dem Eiffelturm - nie ist es die Kleidung, die Berühmtheit oder der Glamour, der in einem Lindbergh-Foto im Mittelpunkt steht. Jede seiner Aufnahmen vermittelt vielmehr Menschlichkeit und einen Sinn für emotionale Klarheit - eine stille und gefühlvolle Melancholie, die einzigartig und unverkennbar seine Handschrift trägt. Von Beginn seiner Karriere an war Lindbergh in der Welt der zeitgenössischen Kunst bekannt. Lange bevor seine Fotos in Zeitschriften erschienen, wurden sie in Galerien ausgestellt. Der aktualisierten Einführung liegt ein Interview mit Lindbergh aus dem Jahr 2016 zugrunde, das einen aufschlussreichen Blick hinter dessen Kamera ermöglicht. Hier erzählt der Fotograf von frühen Kollaborationen, dem fragilen Verhältnis zwischen kommerzieller und bildender Kunst sowie der Kraft des Geschichtenerzählens.
Sibylle Bergemann ist eine der bekanntesten deutschen Fotograf*innen. Über mehr als vier Jahrzehnte hinweg schuf die Berlinerin mit großer Leidenschaft ein außergewöhnliches Werk aus Mode- und Porträtaufnahmen, literarischen Reportagen und atmosphärischen Bildserien. Im Mittelpunkt stand stets der Mensch. In der DDR arbeitete Bergemann freiberuflich und im kontinuierlichen Auftrag verschiedener Kunst- und Kulturmagazine. Nach der Maueröffnung war sie Mitbegründerin von OSTKREUZ - Agentur der Fotografen und fotografierte für GEO, Die Zeit, Stern oder das New York Times Magazine. Der Katalog zur Ausstellung in der Berlinischen Galerie stellt auf verschiedenen Erzählebenen den einzigartigen Bilderkosmos von Sibylle Bergemann vor und versammelt über 200 Fotografien sowohl aus den Sammlungsbeständen des Museums als auch dem Nachlass der Fotografin. Erstmals werden dabei auch ausgewählte Motive des Frühwerks gezeigt.
SIBYLLE BERGEMANN (1941-2010) begann ab 1966 zu fotografieren und war ab 1967 freie Mitarbeiterin für DDR-Zeitschriften wie Sonntag und Das Magazin, von 1970-1995 auch für Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur. Nach der Öffnung der Mauer begann für Bergemann eine neue Etappe in ihrer Karriere, ihre Reportagen - nun in Farbe statt in Schwarz-weiß - führten sie rund um den Globus.
Während seiner gesamten Karriere stand Peter Lindbergh dem Haus Dior auf ganz besondere Weise nahe. Er fotografierte die schillernden Musen des Hauses, darunter Marion Cotillard und Charlize Theron, und realisierte mit seinem unverwechselbaren Stil Kampagnen für die Parfums Lady Dior und J'Adore. Dieses letzte Buch des Fotografen ist das Originaldokument einer außergewöhnlichen Ko-Kreation - und eine Herzensangelegenheit des Künstlers. Siebzig Jahre Dior-Geschichte und das Brodeln des Times Square in New York: Das war das Konzept hinter Lindberghs in Umfang und Dimension außergewöhnlichem Projekt, für das Dior in einer ebenso ungewöhnlichen Aktion eine beispiellose Anzahl von kostbaren Couture-Kreationen aus den Tresoren in Paris über den Atlantik schiffte. Das Ergebnis ist elektrisierend. Inmitten des Trubels am Times Square glänzt Alek Wek im makellosen Bar-Kostüm von 1947, jenem berühmten Ensemble, das den frühen Stil des Hauses definierte. Klassische "Lindbergh-Schönheiten" wie Saskia de Brauw, Karen Elson und Amber Valletta bewegen sich durch Menschenmassen und unter Gerüsten hindurch, spiegeln sich in Gebäudefassaden - gekleidet in Haute Couture, die Christian Dior noch von Hand fertigte, bis hin zu neueren Entwürfen von Maria Grazia Chiuri. Ein Spiel der Kontraste, das den Ambitionen dieser Stilübung jederzeit gerecht wird: Peter Lindberghs typisch monochrome, aber auch farbige Fotos heben auf meisterhafte Weise die Silhouetten, Feinheiten und Texturen jedes Kleidungsstücks hervor.Lindbergh selbst ist in dieser zweibändigen Publikation in jeder Hinsicht präsent. Auf allen Produktionsstufen hat er eng mit TASCHEN zusammengearbeitet. Band eins enthält 165 bislang unveröffentlichte Bilder, dazu eine Einführung von Martin Harrison. Band zwei würdigt Lindberghs langjährige Verbundenheit mit dem Pariser Modehaus Dior. Dafür stellte er mehr als 100 Fotografien zusammen, von Haute Couture bis zu Herren- und Damenkonfektionen, die ursprünglich in renommierten Zeitschriften wie Vogue oder Harper's Bazaar veröffentlicht wurden. Für die Gestaltung der Bände zeichnete Lindberghs langjähriger Artdirector und enger Freund Juan Gatti verantwortlich. Eine atemberaubende Hommage an das zeitlose Zusammenwirken von Haute Couture und Fotografie.
Zwei Schwestern und der Traum, die Modewelt zu erobern
Leipzig, 1959: Annekathrin möchte Fotografin werden, Hanka Modedesignerin. Doch nicht nur die Stoffe, aus denen die Schwestern ihre Kleider nähen, sind in der DDR knapp, sondern auch die Möglichkeiten, ihre Träume zu verwirklichen. Dann wird die Gründerin der Modezeitschrift »Sibylle« auf Annekathrins Bilder aufmerksam und Hanka wird als Mannequin entdeckt. Während Hanka sich in ein Leben vor der Kamera und in eine Affäre mit dem Redakteur Hartmut stürzt, muss Annekathrin eine Entscheidung fällen: Kind oder Karriere?
Kenntnisreich und authentisch erzählt Bestsellerautorin Ines Thorn von dem Weg zweier junger Frauen in der Modebranche der Sechziger
"The 1990s Fashion Book" ist eine Hommage an die einzigartige Mode dieser Zeit. Schrill, bunt, lässig und sexy, das waren die Attribute, die damals galten. Topmodels, Hip-Hopper oder Pop-Gruppen wie Take That und die Spice Girls lebten einen Fashion-Style vor, der auf der ganzen Welt einen Boom auslöste. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass kaum ein Jahrzehnt sich in der Retrospektive so prägend auf die Neuzeit ausgewirkt hat, wie die 90'er. Sie gelten als Dekade der Revolution, in der sich nahezu alles bisher Dagewesene in einer rasanten Geschwindigkeit verändert hat. Hier entstanden bahnbrechende Technologien wie das Internet oder der flächendeckende Mobilfunk, ohne die unser heutiges Leben gar nicht mehr vorstellbar wäre. Moderne Popkultur und aktuelles Modedesign entspringen zu großen Teilen der Wiege der 90'er. Damalige Subtrends wie Grunge, Hip-Hop, Minimalismus, Casual Chic und Dekonstruktivismus sind im Rückblick das gewesen, was bis heute nachwirkt. Das Coffee Table Book "The 1990s Fashion Book" holt all diese Vintage Trends ab und versammelt sie in einem Gesamtwerk. Ein herrlicher Mix aus It-Pieces, Key-Looks, Frisuren und Make-Up im typischen 90s-Look. Die beiden Autor:Innen dieses spritzigen Meisterwerkes sind die Kunsthistorikerin Agata Toromanof und ihr Mann Pierre Toromanoff. Mit rund 150 aufregenden Fotografien, wecken sie in diesem Bildband bei Menschen der Generation-X Nostalgie und stellen für alle anderen eine Quelle der Inspiration dar. Jeder Mode-Begeisterte wird an dem Fotografie-Buch "The 1990s Fashion Book" seine Freude haben und vor allem vor dem Hintergrund des aktuellen Comebacks der 90er und der allgegenwärtigen Präsenz dieser Ära seinen garantierten Aha-Moment beim Betrachten der Bilder erleben.
Endlich gibt es eine eigene Buchreihe, die sich mit einem der wichtigsten Themen in der Modebranche umfassend beschäftigt: Farben. In "The Pink Book: Fashion, Styles & Stories" geht es, wie der Titel schon erahnen lässt, um Pink, und zwar in allen Schattierungen. Vom kräftigen Fuchsia bis zum zarten Rosé zeigen die beiden Autor:innen Heide Christiansen und Martin Fraas in mitreißenden Aufnahmen direkt vom Runway, welche Kraft und Ausstrahlung Pink innewohnt.
Die lebendigen Modefotografien entstanden auf den großen Haute Couture-Schauen anerkannter Modedesigner und Brands wie Dior, Chanel oder Gucci oder sind als Street Style-Fotografie dem turbulenten Alltag einer Metropole entsprungen. Christansen und Fraas liefern aber nicht nur imposante Aufnahmen, sie erzählen ihren Leser:innen auch spannende Hintergrundgeschichten. Die Bedeutung der Farbe Pink wird damit zum zentralen Thema, um das herum eine ganze Welt aus Bildern und Stories aufgebaut wird.
Jeder Mode-Enthusiast wird von diesem einzigartigen Coffee Table Book begeistert sein. Er ist eine Inspiration für alle, die sich gerne mit Modemarken, High-Fashion und den Laufstegen des Modezirkus beschäftigen. Mit seiner luxuriösen Aufmachung und edlen Haptik wird "The Pink Book: Fashion, Styles & Stories" fast schon selbst zu einem Fashion-Item und eignet sich sowohl als hochkarätiges Geschenk oder Hingucker für die heimische Büchersammlung.
Liberation of Arts - der faszinierende Lumas-Bildband feiert 20 Jahre Kunst für alle!
Hochwertige Kunst für jeden zu fairen Preisen erreichbar zu machen - dieser Aufgabe widmet sich die Lumas Galerie seit 20 Jahren. Mit den sorgfältig kuratierten Editionen namhafter Künstler und herausragender Talente der Fotografie-Szene zelebriert dieses großartige Coffee Table Book die ganze Bandbreite der Editionsgalerie Lumas . Ob gefeierte Stars oder aufstrebende Newcomer der Kunst-Szene - dieser Bildband ist eine Galerie-Retrospektive in Buchform ! Glanzvolle Fotos zeigen in diesem hochwertigen Coffee Table Book, was man in der Welt der Fotografie-Kunst gesehen haben muss!
Die ganze Bandbreite von Lumas in einem hochwertigen Coffee Table Book
Die Highlights aus 20 Jahren Lumas Galerie dokumentieren in diesem glanzvollen Bildband die faszinierende Vielfalt der weltweit agierenden Editionsgalerie : Kunstvolle Architekturfotografie trifft auf atemberaubende Landschaftsfotografie . Aufsehenerregende Modefotografie und bewegende Momente der Porträtfotografie , Akt-Studien und abstrakte Kunst - die Palette der Kunstwerke in diesem herausragenden Coffee Table Book ist mehr als eindrucksvoll. Von den großen Namen der Street Photography wie Christophe Jacrot oder Werner Pawlok bis zu ambitionierten Newcomern unter den Künstlern - der exzellent kuratierte Bildband "Liberation of Arts" zeigt alles, was Kenner, Sammler, aber auch Einsteiger begeistert.
Lumas: Wenn ein Bildband selbst zum inspirierenden Kunst-Sammlerstück wird
Wer die Galerie-Szene kennt, stößt seit 20 Jahren immer mehr auf den Namen Lumas - und das weltweit! Von Berlin aus eroberte die Lumas Galerie im Laufschritt die Welt der Fotokünstler . Das Lumas Prinzip: Die Vielfalt der Kunst für alle Menschen erreichbar und erschwinglich zu machen. Hochwertige Reproduktionen in a
Zuerst Typograf und Grafiker, dann Künstler, Art Director, Fotograf und Regisseur: Peter Knapps Ideen für Layout und Typografie sowie seine dynamischen Fotografien machten die Zeitschrift Elle ab den 1960er-Jahren zu einem Leitmedium der Modebranche. Als sich der Kleidungsstil demokratisierte und Prêt-à-porter über Haute Couture triumphierte, fand Peter Knapp in souverän spielerischer Form die geeignete visuelle Sprache dafür. Er arbeitete mit den führenden Pariser Modedesignern zusammen und nutzte die Fotografie, um einem neuen Lebensgefühl Ausdruck zu verleihen. Später boten ihm auch Zeitschriften wie Vogue, Marie Claire oder Stern eine ideale Plattform: parallel zu seinem künstlerischen Werk reizte er den Spielraum der angewandten Fotografie aus. 2021 wurde Peter Knapp mit dem Schweizer Grand Prix Design ausgezeichnet.
Auf der Basis einer grosszügigen Schenkung von Peter Knapp - rund 600 Fotografien aus der Zeit von 1965 bis 1980 - stellt die Fotostiftung Schweiz das Schaffen dieses herausragenden Gestalters vor: Peter Knapp - Mon temps präsentiert seine Modefotografien, lässt aber auch die Stimmung einer Epoche und den damaligen Wandel der Gesellschaft wieder aufleben. Die Kunsthistorikerin Laura Ragonese würdigt sein vor Lebensfreude sprühendes Werk im Kontext der visuellen Kultur jener Zeit.
Schwarz ist keine Farbe? In der Welt der begehrten Modemarken definitiv schon und dort sogar eine der wichtigsten überhaupt. Deshalb haben die Autor:innen Heide Christiansen und Martin Fraas den zweiten Farben-Titel Ihrer "Fashion, Styles & Stories"- Reihe dem Thema Schwarz gewidmet. In "The Black Book: Fashion, Styles & Stories" zeigen sie, wie ausdrucksvoll und stark sich diese Farbe im Kontext der Mode zeigt. Schwarz umschmeichelt, wirkt edel und ist gleichzeitig der Inbegriff von Rebellion. Das schwarze Etuikleid präsentiert sich völlig organisch neben der schwarzen Bikerjacke und zeigt, was diese Farbe kann, nämlich praktisch alles.
In mitreißenden Modefotografien direkt von den Runways der größten Modedesigner arbeiten sich Christiansen und Fraas durch alle Schattierungen des Black-Looks und liefern den Leser:innen spannende Hintergrundstories gleich mit dazu. Gezeigt wird Schwarz als Grundtenor bei Haute Couture, High-Fashion und Street-Style. Abwechslung und Inspiration stehen bei diesem Coffee Table Book im Vordergrund. So wird das Entdecken des Black-Bildbandes zur wahren Freude und Pflichtaufgabe jedes Mode-Enthusiasten.
Doch nicht nur für Modebegeisterte ist "The Black Book: Fashion, Styles & Stories" ein Genuss. Alle, die Lust auf ein außergewöhnlich schönes Coffee Table Book haben, sollten hier näher hinschauen. Denn "Black" besticht durch eine besonders hochkarätige Optik und bestechende Haptik. Diesen Bildband schaut man nicht nur gerne an, man nimmt ihn auch gerne in die Hand und er ist ein Schmuckstück in jeder Wohnung.
Wer nach einem einzigartig frischen Modebuch sucht, dass sich mit den aktuellen Brands auf eine kreative Weise auseinandersetzt und das Zeug hat sich zum Klassiker zu erheben, der kommt an "The Black Book: Fashion, Styles & Stories" nicht vorbei.
Die intensive Kraft der Farbe Rot
Rot gilt als Symbol für Leidenschaft und Liebe und wird deswegen oft mit starken Emotionen in Verbindung gebracht. In der Mode wird die Farbe als Hingucker, um Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, verwendet. Alle, die ein selbstbewusstes Statement setzen wollen, schwören auf die auffällige Farbe. Denn wer ein rotes Outfit trägt, wird von seiner Außenwelt als energisch und kraftvoll wahrgenommen. Es entsteht ein echter Power-Look.
Elegante Ergänzungen der Reihe "Fashion, Styles & Stories"
Die neue Reihe "Fashion, Styles & Stories" geht in die nächste Runde. Nachdem im Frühjahr die ersten Bildbände zu den Farben Schwarz und Pink erschienen sind, vervollständigen nun im Herbst zwei weitere Titel zu Rot und Weiß die stylische Reihe nicht nur thematisch, sondern auch optisch.
Dank des auffälligen Farbschnitts gelten die Bücher als echte Statement-Pieces für den Coffee Table eines jeden Designenthusiasten. Mit ihrer luxuriösen Aufmachung und edlen Haptikwerden die Bildbände fast schon selbst zu einem Fashion-Item im eigenen Wohnzimmer. Das fortlaufende Design verleiht dabei einen dekorativen Sammelcharakter. So ist man gar nicht gezwungen, sich auf die Lieblingsfarbe zu beschränken, sondern kann kreative Kombinationen erstellen.
Fesselnde Modefotografie der Extraklasse
Jedes Coffee Table Book der Reihe stellt eine Einladung in die faszinierende Welt der Mode dar und widmet sich der beeindruckenden Kraft der Farbe. Anhand von High-Fashion-Bildern direkt von den Laufstegen der wichtigsten Modemarken, Street-Style-Fotografien aus den Fashion Week Metropolen sowie inspirierenden Zitaten von führenden Modedesignern und Stilikonen rund um den monochromen Lifestyle ergründen die beiden Autoren Heide Christansen und Martin Fraas die jeweilige Farbbedeutung.
Die spannende Bildwelt wird von kurzen Texten begleitet, die die Historie und Entwicklung der Farben im Kontext der Mode näherbringen. So werden die Hochglanz-Fotografien mit spannenden Hintergrundstories ergänzt, denn Inspiration steht bei diesen Titeln an erster Stelle.
Die Haute Couture der Coffee Table Books
Für alle, die sich für High-Fashion-Marken wie Chanel, Louis Vuitton, Versace, Dior, Givenchy, Armani, Balenciaga oder Valentino interessieren und dieses Runway-Feeling auch gerne in der heimischen Einrichtung verspüren möchten, ist "The Red Book" nicht nur das Trend-Piece der Saison, sondern ein zeitloses Must-have!
Paris, Heimat der Haute Couture und Zentrum des Classic Chics, zieht seit jeher Designer*innen und Modeliebhaber*innen aus der ganzen Welt an, die sich von der sinnlichen Eleganz der Stadt inspirieren lassen. Paris steht für extravaganten Luxus von weltweit erfolgreichen Modemarken wie Chanel, Dior oder Yves Saint Laurent, aber auch für hippe Streetstyles und den Clean Chic. Der wunderschön bebilderte Modeguide »Little Book of Paris Style« widmet sich den Looks und Ikonen der Fashion-Metropole.
Eine Homage an New York Seit 1978 lebt der dänische Fotograf Torkil Gudnason in New York, wo er mit seiner Modefotografie berühmt wurde. Mit dem Buch Urban Spell zeigt er nun eine neue Serie, die sich eben jenem Ort widmet, der seine Kreativität immer wieder aufs Neue beflügelt. Er zeigt uns nicht die Postkartenmotive der Metropole, sondern tastet mit seinen Fotografien die Architektur der Stadt in seiner unaufgeregten Alltäglichkeit ab. Gudnasons Kompositionen zeigen dabei seinen ganz persönlichen Blick auf seine Wahlheimat New York - eine Stadt, deren urbane Ikonografie sich im Wetteifer um Superlative schon immer überschlagen hat. Ein Gespräch mit dem Künstler führte Dana Kopel.
Porodina's early years were impacted by the brutalist buildings in Moscow and her mother who introduced her daughter to art. Stored in her unconscious, art became the extension and expression of "her self," implying that every single one of her photographs is a self-portrait. Art became-and still is-an inevitable, and inseparable, part of her. Porodina's academic upbringing in post-Soviet Russia and her interest in emotional behavior led her to study clinical psychology. This background and her striving towards greater understanding of herself, her environment, and others, informed her move to photography. It became a frame by which she is not limited-photography is just another medium that allows to stimulate the mind by showing, rather than by speaking, since the unconscious is not verbal either.
ELIZAVETA PORODINA (*1987, Moscow) is a Russian artist, photographer, and psychologist known for her surrealist themes and use of symbolism. She lives and works in Germany. Her clients include Dior, Carolina Herrera, Jo Malone, Moncler, Vogue, among others.
In den 1980er Jahren wollte die Mode ein Zeichen setzen, und sie fand im legendären britischen Modefotografen David Bailey ihren perfekten Chronisten. Nachdem Bailey den Stil der Swinging Sixties mitgeprägt hatte, stellte die Mode der Achziger eine ganz neue Herausforderung dar: leuchtendere Farben, noch mehr Glamour, hochgewachsene Models, extremes Make-up, Spandex, Lycra, Jumpsuits, Power-Dressing, Big Hair und, wie Grace Coddington es im Vorwort formuliert, "Jackets mit riesigen Schulterpolstern, die über den allerkürzesten Miniröcken und gefährlich hohen Schuhen getragen wurden." Eighties versammelt Baileys stilprägende Modefotografien aus den Seiten von Vogue Italia, Vogue Paris, Tatler und zahlreichen anderen. Mit Bildern von Couture-, Laufsteg- und Prêt-à-porter-Kollektionen der wegweisenden Designer dieser Dekade, darunter Azzedine Alaïa, Comme des Garçons, Guy Laroche, Missoni, Stephen Jones, Valentino und Yves Saint Laurent, ist das Buch Zeugnis eines Jahrzehnts, das Geschmackshierarchien auflöste, um Spaß und Sex in die Mode zurückzubringen, und erinnert uns daran, dass weder das eine noch das andere etwas Unanständiges ist. Hier glitzert der Schmuck, schimmert die Seide und raschelt der Anzugstoff. Spielerisch, unbesiegbar und provokativ werden die Schönsten unter den Schönen in Szene gesetzt, darunter Ikonen der 1980er Jahre wie Catherine Bailey, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Catherine Deneuve, Prinzessin Diana, Jerry Hall, Marie Helvin, Grace Jones, Kelly LeBrock, Christy Turlington, Tina Turner und viele mehr.Die kulturellen Echos der 1980er Jahre, die auf unseren Bildschirmen, Laufstegen und Konzertbühnen präsent sind, machen die heutige Zeit besonders geeignet, um das bleibende Erbe des Maximalismus und des Überflusses in einen neuen Kontext zu setzen. Eighties ermöglicht dies auf einzigartige Weise mit David Bailey als augenzwinkerndem Guide und Dolmetscher. Wie er in seinem Vorwort sagt: "Die Achtziger haben sich als magisch erwiesen." Hier wird diese Magie lebendig.
